Los autorretratos y otras pinturas de la artista mexicana Frida Kahlo son vibrantes, emocionales y memorables. su vida no fue tranquila y sin nubes. ella estaba constantemente obsesionada por el sufrimiento físico y mental. Enfermedades graves y lesiones que conducen a la discapacidad, la pérdida de niños no nacidos, una ruptura con su esposo no rompió a esta hermosa mujer. Ella trató de transmitir su percepción del mundo y sus sentimientos con la ayuda de la pintura. Sus pinturas son toda una biografía.
Las imágenes más llamativas de la inimitable Frida Kahlo:
1
Parada de autobús (1929)
La imagen muestra a un grupo de pasajeros viajando en autobús por Coyoacán. Esta es una mujer descalza de la población indígena, una trabajadora, un caballero de la clase media y una joven que bien podría ser la misma Frida.
El niño mira por la ventana un paisaje lleno de tranquilidad, donde se encuentra la tienda La Risa (Risas). Este detalle es característico del humor negro de Frida Kahlo, quien representó el momento anterior al accidente en el que tuvo lugar el 17 de septiembre de 1925.
Por cierto, en nuestro sitio most-beauty.ru puede sentir la belleza de los autobuses de la URSS.
2
Frida y Diego Rivera (1931)
El doble retrato solemne fue pintado en un estilo ingenuo dos años después de la boda de Diego Rivera y Frida Kahlo. La pareja se toma de las manos, una paloma está pintada sobre Frida, sosteniendo una cinta en el pico con una breve narración de quién, dónde y cuándo está pintado en el retrato.
Esta imagen representa una pareja casada ideal, y al hombre se le asigna el lugar más importante. Tiene pinceles y una paleta en sus manos, pero no hay indicios de que Frida también sea una artista talentosa. Aquí, Frida es solo una esposa.
3
Retrato de Luther Burbank (1931)
Frida pintó el Retrato de Luther Burbank en San Francisco en 1931. Burbank fue un científico y jardinero que experimentó con híbridos de plantas. Su investigación impresionó tanto a Frida que decidió inmortalizarlo en la pintura como resultado de uno de sus propios experimentos: mitad hombre, mitad árbol.
Sus piernas y pies fueron reemplazados por un tronco cuyas raíces se enroscan en el esqueleto subterráneo, que, quizás, pertenece al mismo Burbank. En una mano sostiene una de las plantas con las que trabajó, mientras que las otras frutas de sus experimentos ocupan el paisaje circundante.
Esta es una de las pinturas que muestran la dualidad que Frida a menudo representa en sus obras: en este caso, vida / muerte. Como en la cadena alimentaria, una persona recibe su comida de la tierra, pero su cadáver será devuelto a ella para alimentar a los demás.
4
Mi nacimiento (1932)
Desafortunadamente, las obligaciones de nuestro sitio most-beauty.ru con los socios no nos permiten mostrar escenas explícitas en nuestros artículos, por lo que no demostramos intencionalmente la parte central de la imagen. Pero aquí puedes ver el trabajo sin censura.
El proceso de nacimiento de Frida Kahlo representado hasta el más mínimo detalle, por lo que muchos la condenaron. Antes de eso, nadie se atrevió a retratar el misterio más sagrado: el surgimiento de una nueva vida. Frida Kahlo nunca pudo dar a luz a un niño debido a las terribles lesiones que recibió en el accidente.
Ella sufrió abortos involuntarios, y las terribles impresiones de la primera pérdida se reflejaron en la película "Mi nacimiento". En el centro de la habitación hay una cama donde yace una mujer en trabajo de parto. El rostro de la mujer está cubierto con un lienzo blanco. En un bebé recién nacido, puedes reconocer a la artista misma.
5
Hospital Henry Ford (1932)
La pintura más trágica del artista es el Hospital Henry Ford. otro intento de tener un bebé no tuvo éxito. Aborto espontáneo, pérdida de sangre, tormento y sufrimiento en el hospital: todo esto el artista salpicó el lienzo.
Se retrató en una cama, en un charco de sangre, y sus sensaciones y fantasías flotaban en el aire: un modelo anatómico de la pelvis de una mujer, un feto humano no nacido, una orquídea arrancada, un caracol, como símbolo de un tiempo de estiramiento intemporal y un mecanismo que podría fallar en cualquier momento .
6
La niña de la máscara de la muerte (1938)
En el contexto de un cielo nublado y un paisaje de montaña distante, se representa a una niña descalza de cinco años con una máscara de muerte. Tal máscara se pone en México el Día de los Muertos. El niño sostiene una caléndula amarilla en sus manos. Se cree que Frida Kahlo se retrató en la imagen a la edad en que todavía estaba sana y no experimentaba un dolor insoportable.
7
Dos frida (1939)
En 1939, ocurrió una tragedia personal en la vida de Frida Kahlo. Ella sufrió una ruptura muy fuerte con su amado esposo y lo comparó con la pérdida de sangre, con una herida en el corazón.
La imagen muestra dos Frida. Una es del pasado, donde su vida estuvo relacionada con Diego Rivera. La otra es del presente, donde se la presenta como una mujer soltera y libre que se ve superada por la pérdida de sangre. Intenta bloquear la arteria sangrante con una herramienta médica, pero no lo hace bien: la sangre inunda el borde de un vestido blanco como la nieve.
8
Autorretrato en un collar de colibrí espinoso (1940)
Frida Kahlo se retrató frontalmente contra el telón de fondo de vegetación tropical. Detrás de ella hay un gato negro y un mono. Espinas espinosas retorcidas alrededor del cuello, que se clavan en el cuerpo con espinas y evitan la respiración. Un colibrí de pájaro negro aparece en forma de colgante.
9
Yo y mis loros (1941)
El autorretrato de Frida Kahlo con loros, escrito en 1941, es inusualmente bueno. Aunque está hecho en el estilo del primitivismo, parece bastante realista. Frida Kahlo está representada con un vestido blanco, sobre sus hombros y en sus manos están sentados brillantes loros alegres.
Como en muchos retratos, la artista se presenta a sí misma como muy seria y tranquila. Solo los detalles dan el humor con el que se hizo el retrato. Los dedos de su mano derecha sostienen descuidadamente un cigarrillo sin terminar, y chispas arden en sus ojos. Este es uno de los pocos retratos que representan a la "diversión" Frida Kahlo.
10
Pilar roto (1944)
En su juventud, Frida sufrió polio, tuvo un accidente automovilístico y estuvo en cama durante mucho tiempo. Para 1944, su condición empeoró. Ella experimentó un dolor intenso y se vio obligada a usar un corsé incómodo. Ella reflejó todo este sufrimiento en la pintura Columna rota.
El núcleo interno que sostenía a Frida y la hizo resistente comenzó a resquebrajarse. Ella "se desmoronó" delante de sus ojos, el dolor era insoportable. En el retrato, la artista se retrató a sí misma en un corsé, con la columna vertebral en forma de columna colapsada. Las lágrimas que fluyen de sus ojos llenan su rostro. Las uñas están atrapadas en el cuerpo desnudo, la cabeza y la cara. En esto, ella enfatiza la conexión de su tormento con el tormento de Cristo.
11
Sin esperanza (1945)
En la pintura "Sin esperanza", el artista utiliza dos estilos: primitivismo y surrealismo. En el desierto, bajo el sol ardiente, hay una cama en la que yace una mujer, cubierta con una manta. Ella mira al espectador y las lágrimas brotan de sus ojos.
En México, la frase "alimentar a través de un embudo" significa hacer trampa o "fideos que se cuelgan de las orejas". Un embudo cuelga sobre la cama, con la ayuda de la cual se alimenta una mujer. El esposo de Frida la engañaba constantemente. El sufrimiento mental se agregó al tormento físico de la mujer. Frida reflejó todos sus sentimientos en el lienzo. Esta extraña imagen es el grito de su alma.
Según los editores de most-beauty.ru, parte de esta imagen se asemeja a la obra del gran maestro del surrealismo Salvador Dalí. ¿No lo crees así?
12
Ciervo herido (1946)
El tema del tormento mental y físico de Frida Kahlo continuó en la película "Ciervos heridos". Aquí ella nuevamente se representa a sí misma, pero de una manera muy inusual. En el lienzo representa un ciervo con la cabeza del artista.
El venado está herido por nueve flechas, la sangre brota de las heridas. La cara de Frida no expresa ninguna emoción. Esto significa que en la vida no le muestra a nadie el tormento que tiene que soportar. Y solo en la imagen, con la ayuda de símbolos, puede permitirte expresar tus sentimientos.
13
Diego y yo (1949)
El retrato de la llorosa Frida Kahlo es un doble retrato, ya que en su frente pintó un retrato de su esposo, Diego Rivera. Ella usó esta técnica varias veces, ya que sus pensamientos, corazón y alma fueron dados para siempre a su esposo. Una historia de amor entre dos artistas talentosos experimentó diferentes períodos: felicidad, pasión, traición, ruptura y reunión final. Ella dijo: "Diego soy yo, Diego es el universo".
14
Bodegón con un loro y una bandera (1951)
En la década de 1950, Kahlo pintaba constantemente bodegones. Este es el tercer género artístico más importante después de sus autorretratos y retratos. De 1951 a 1954, sus autorretratos casi desaparecen de las pinturas.
Muchos ven en sus bodegones la sexualidad no velada. Plátanos, frutas cortadas empujan involuntariamente por asociaciones indecentes ¿No lo es?
Le aconsejamos que vea: Los loros más bellos del mundo.
15
¡Viva la vida! (1954)
Una pintoresca naturaleza muerta con sandías se destaca de la serie general de pinturas de Frida Kahlo. Esta naturaleza muerta es un verdadero lema para su trabajo. Está escrito en el estilo del primitivismo y está lleno de colores jugosos y alegres. Tallado en una rodaja de sandía "Viva la Vida" - ¡viva la vida! Esta es la última foto en la vida de Kalo. En solo 8 días, ella se había ido.
Epílogo
La creatividad de la brillante y original Frida Kahlo fue un verdadero flash entre los artistas del siglo XX. La vida no mimó a esta mujer, pero fue ella quien hizo revelar su extraordinario talento. Toda la vida de Frida Kahlo es amor, sufrimiento y pintura.
En conclusión, le presentaremos algunas obras más famosas de Frida Kahlo:
Autorretrato con un vestido de terciopelo (1926)
Raíces (1943)
Sobre esto nuestro artículo llegó a su fin. Los editores de most-beauty.ru le piden que escriba en los comentarios qué pinturas de Frida Kahlo le impresionaron más.